Las mejores exposiciones del mundo

Uno de los artistas portugueses más relevantes de su generación, Joao Penalva, exhibe hasta el 4 de octubre una muestra de media carrera en la Fundación Calouste Gulbenkian. La exposición reúne muchos de sus trabajos más importantes como la pintura que caracterizó la etapa de los años noventa o las instalaciones recientes. Bajo el título, Trabalhos com texto e imagem, se detiene ante la capacidad del artista para articular un discurso basado en la relación entre leer y mirar. Los mecanismos que rigen la interpretación de los textos y la percepción de las imágenes se encuentran en el centro de los intereses de Penalva, cuyo trabajo juega asimismo con la idea de traducción que es tan literal en unos casos como figurada en otros.

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La Fundación Serralves propone una muestra dedicada a la artista Leonor Antunes que ha comisariado Nuria Enguita. Ofrece una mirada certera al trabajo de una de las artistas que con mayor éxito está renovando los lenguajes escultóricos. Presente también en una individual en el Museo Reina Sofía de Madrid, la obra de Antunes se apoya en los presupuestos del minimal y el arte conceptual y explora las posibilidades perceptivas del espectador al que obliga a interactuar con el espacio expositivo. Además, Antunes introduce a menudo matices históricos que amplían las posibilidades narrativas del trabajo en función del lugar en que se encuentre. Así la escultura se nutre no solo de su relación con el espacio sino también con los diferentes condicionantes narrativos de los respectivos contextos.

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El Beaubourg parisien ofrece Images de L'Inde. París-Delhi-Bombay, una revisión sobre el arte indio contemporáneo que sigue la línea de otras exposiciones que sobre el mismo tema se han programado en museos franceses como la que tuvo lugar en el Museo de Arte Contemporáneo de Lyon la pasada primavera bajo el título Indian Highway (coproducida con la Serpentine Gallery de Londres). Pero esta de París quiere tender puentes entre la escena artística actual en la India y en Francia, pues las posibles relaciones entre una y otra son trazadas al alimón por artistas franceses e indios. Esta es la gran singularidad de una exposición que centra su atención en asuntos como la política, la religión, el desarrollo, la producción de imágenes o la vida doméstica.

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La obra de Claude Cahun es objeto de una exhaustiva revisión en las salas del Jeu de Paume de Paris, la más grande exposición de fotografías de la artista francesa en 16 años. La muestra sugiere la intensa modernidad de una artista que se autorretrató con insistencia para examinar los estereotipos de la masculinidad y la feminidad. La exposición, cuyo co-comisario es Juan Vicente Aliaga, se estructura en torno al ámbito de la representación y explora la singularidad de un sujeto al que a menudo acompañan objetos y piezas de atrezzo que adquieren un notable poder simbólico. También podrán verse en el centro de Place de la Concorde las exposiciones dedicadas a Santu Mofokeng y al grupo France Fiction.

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Para los que viajen por Francia en coche, algo siempre recomendable, una buena parada es siempre el Centro Internacional de Arte y Paisaje de la Isla de Vassiviére, cerca de Limoges, en el centro del país. Hablamos de un lugar en el que la arquitectura de Aldo Rossi y Xavier Fabre convive con un paisaje deslumbrante. La experiencia es extraordinaria. En estos meses de verano se podrá ver la obra del artista inglés afincado en Los Ángeles Thomas Houseago, uno de los más interesantes renovadores de la escultura contemporánea. Su obra es claramente reconocible con sus piezas antropomórficas y expresionistas de gran formato que no solo podrán verse en el interior del edificio sino que también sorprenderán al visitante en la bellísima naturaleza del lugar.

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Aurèlien Froment (1976), uno de los artistas más destacados de su generación, exhibe en el Centro de arte de Rochechouart una exposición de sus últimos trabajos que continúa lo mostrado en Le Crédac y en la galería parisina Marcelle Alix. Son obras en las que prosigue con su investigación sobre motivos pedagógicos, los propuestos por el teórico Friedrich Fröbel, inventor del concepto de kindergarten. La muestra tiene un claro componente lúdico, principio esencial del tipo de enseñanza que impulsó el pedagogo alemán, y asunto crucial en el trabajo de Froment con el que traza vínculos entre textos e imágenes y subraya los parámetros perceptivos con los que aprehendemos los objetos en el espacio.

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Rembrandt fue una de las referencias más importantes para Edgar Degas. Sin embargo, nunca hasta ahora se habían trazado las relaciones entre ambos pintores. El Rijksmuseum de Amsterdam presenta este verano una de esas exposiciones que los anglosajones llaman "groundbreaking". La muestra ofrece perspectivas parejas en el tratamiento del retrato, condensadas en obras de juventud de ambos artistas. Degas descubrió algunos grabados del genio holandés cuando se encontraba en Italia examinando la pintura de los grandes maestros. Tenía 23 años y toda una carrera por delante. La pose del artista y el tratamiento de luces y sombras pareció influir al joven francés de un modo decisivo. La muestra ha sido posible gracias a los préstamos de importantes piezas procedentes de grandes museos como el Metropolitan neoyorquino o la National Gallery de Washington.

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El centro de estudios curatoriales De Appel, uno de los más prestigiosos de Europa, ha programado para este verano una exposición comisariada por su directora Ann Demester que lleva por título Genius without Talent. La idea que vertebra la exposición reside en cómo la separación tradicional entre artista y público se ha venido diluyendo en las últimas décadas. Hoy todos podemos ser artistas y todo puede quedar legitimado como arte, venga de donde venga. Esta idea parte de los presupuestos planteados por artistas como Beuys o Robert Filliou, realzados ahora con las nuevas tecnologías y los nuevos parámetros bajo los que se habita lo real.

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En el norte de Londres, el Camden Arts Center presenta la obra de David Askevold, una de las figuras más relevantes del audiovisual de carácter experimental en las últimas décadas. Fallecido en 2008, la exposición recorre muchas de las obras más importantes del artista desde principios de los años setenta. En ella podrán verse trabajos que realizó en colaboración con artistas de la talla de Mike Kelley o Tony Oursler. En su trabajo, Askevold buscó insólitas vinculaciones entre textos e imágenes que a menudo dieron a sus obras un carácter que algunos han denominado "paranormal". Esta exposición está comisariada por Anne Pontégnie y viajará más tarde a Le Consortium de Dijon, Francia.

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Michellangelo Pistoletto es uno de los artistas más relevantes de la segunda mitad del siglo XX. Su exposición en la Serpentine Gallery de Londres recupera un concepto vertebral en su trabajo, el laberinto, a través del que el artista distorsiona la percepción que del espacio tiene el visitante. Este se ve inmerso en una red impenetrable en la que sólo puede avanzar en busca de un fin que en principio resulta invisible. Los laberintos son al espacio lo que los espejos al sujeto. Son elementos transformadores y generadores de nuevas narrativas, y nos hacen cuestionarnos nuestro propio ser y el lugar que ocupamos en un entorno dado. El laberinto que propone es el laberinto de la vida, de la experiencia. Está jalonado por esculturas griegas que se enfrentan igualmente a espejos, y el hombre se enfrenta a un mismo tiempo al arte, la historia y a sí mismo.

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En el sur de Inglaterra, en la costa del condado de Kent, la Trienal de Folkestone está comisariada en esta edición por Andrea Schlieker que ha armado un discurso bajo el título A Million Miles from Home. Todo gira en torno a uno de los asuntos centrales en el imaginario artístico contemporáneo: el desplazamiento, aquel que es forzado pero también el que es voluntario, el siempre inquietante vivir entre dos mundos... A la orilla del Canal de la Mancha, Folkestone es el lugar idóneo para hablar de abismos y desarraigos. Su naturaleza decadente y la necesidad de regenerarse son el caldo de cultivo perfecto para la gestación de un proyecto que tiene en el colectivo CAMP, Paloma Varga Weisz, Cornelia Parker o Ruth Ewan algunos de sus mejores exponentes. No se pierdan la pieza de Cristina Iglesias, un puesto de vigilancia como aquel desde el que se vislumbraban los posibles embates napoleónicos.

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La séptima edición del British Art Show, el evento que tiene lugar en varias sedes del Reino Unido cada 5 años, recala en Glasgow tras su paso por Londres y antes de finalizar su periplo en Plymouth. Todos los comentarios coinciden en que es la mejor edición de cuantas se han celebrado hasta la fecha. Dicen los comisarios de esta edición, Lisa Le Feuvre y Tom Morton, que la idea es ver cómo se consolida una tendencia a lo narrativo, un modo de contar historias, sean reales, biográficas o puramente ficticias. Titulada In the Days of the Comet, toma la metáfora de los cometas para subrayar la noción de temporalidad inherente a toda narración. La muestra podrá verse en tres de los espacios más representativos de la escena artística de la ciudad: Tramway, Glasgow Center for Contemporary Art y la Gallery of Modern Art.

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La National Gallery of Scotland, situada en la ciudad de Edimburgo presenta una importante exposición dedicada al escultor Tony Cragg, uno de los artistas más relevantes de su generación y uno de los fundamentales para entender la evolución de la escultura en la segunda mitad del siglo XX. Figura capital de una de las generaciones más prósperas del arte británico, Cragg presenta un conjunto de esculturas de gran formato que se diseminan por las salas de la institución escocesa en lo que significa la primera retrospectiva de su trabajo en 15 años en el Reino Unido. Una ocasión, por tanto, única para comprender las evoluciones de uno de los géneros, la escultura, que mayores transformaciones ha sufrido en las últimas décadas.

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El Bozar de la capital belga muestra hasta el próximo 11 de septiembre una interesantísima exposición dedicada al fotógrafo canadiense Jeff Wall, uno de los grandes nombres del arte de nuestros días. La exposición no es un muestra retrospectiva al uso sino que sitúa al Wall frente a artistas precedentes del campo de la fotografía y otros creadores contemporáneos. Entre unos y otros, la obra queda contextualizada desde perspectivas diversas y muy enriquecedoras. Wall, autor de las archiconocidas cajas de luz con imágenes narrativas, ha seleccionado 25 fotografías realizadas entre los setenta y la actualidad y las enfrenta a trabajos de artistas que han supuesto una gran influencia para su trabajo. Entre ellos, Duchamp, Atget, Diana Arbus, Robet Smithson, David Claerbout... Todo una constelación formada por las figuras indispensables para entender la deriva de nuestro arte.

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En Amberes puede verse una interesante exposición que revisa la forma de presentar las colecciones de arte contemporáneo de los museos. El M HKA ha pedido a la artista británica Emily Wardill que realice una selección de los fondos del museo aportando su propia perspectiva. A esa selección añadirá un par de trabajos suyos con los que recontextualizará el conjunto. Emilly Wardill se ha confirmado en los últimos años como una de las figuras más interesantes del panorama internacional. Su presencia en la actual Bienal de Venecia y la pieza que presentó en los Statements de Basel así lo confirma. Wardill realiza en Amberes una aproximación muy particular al mundo de los objetos, su representación en el espacio y su naturaleza abierta, siempre proclive a permutaciones y variaciones.

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La Kunstsammlung Nordhrein-Westfalia, una de las instituciones más conocidas de Alemania con sede en Dusseldorf y también conocida como K20, presenta hasta el próximo 25 de septiembre una ambiciosa exposición titulada MOVE: Art and Dance since the 60's sobre la relación entre el arte y la danza desde los años sesenta, momento de ruptura integral en el sistema de las artes. La muestra se compone de un buen puñado de instalaciones y esculturas que desgranan esa conexión, y se centra en los movimientos cotidianos como punto de arranque para el desarrollo de toda creación. Al mismo tiempo, se detiene ante la idea de coreografía como impulsora de la relación entre las audiencias y el arte. La exposición está coproducida con la Hayward Gallery de Londres.

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En Frankfurt, la Schirn Kunsthalle dedica este verano una exposición al pintor italiano Francesco Clemente, uno de los artistas más aplaudidos a finales del siglo pasado sobre todo en la enorme eclosión de la pintura que tuvo lugar durante los años ochenta especialmente en Estados Unidos, Alemania e Italia. Es un momento especial para la institución alemana pues es la primera vez que se muestra un conjunto de trabajos de esta envergadura en más de 25 años. Aparte de sus clásicos cuadros de gran formato, el proyecto incluye algunas de sus piezas más recientes, realizadas igualmente en tamaños grandes pero con acuarelas. La exposición se titula Palimpsest, aludiendo así al juego de capas y veladuras que permite esta técnica y al calado poético que entraña.

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Tres de los más célebres artistas alemanes de todos los tiempos, Albrecht Altfdorfer, Lucas Cranach y Albrecht Durer integran una exposición decididamente inusual. Concealed/Revealed, que significa, oculto/revelado, es una mirada a los nuevos métodos de investigación que las nuevas tecnologías han facilitado. La muestra ofrece al espectador imágenes que se ha mantenido ocultas hasta que los nuevos medios las han revelado, matices secretos que ahora ofrecen nuevas lecturas sobre las técnicas e inéditas vías de comprensión de las inquietudes narrativas de tres de los más importantes pintores del Renaciminento europeo. Las pinturas y las imágenes que los estudios con infrarrojos dan como resultado serán colgadas unas junto a otras a escala 1:1. El caudal de nuevos hallazgos es realmente sorprendente.

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Los amantes de la fotografía más clásica estarán de enhorabuena en Berlín con la muestra dedicada al fotógrafo húngaro André Kertész, una exposición coproducida con el Jeu de Paume de París. Organizada por apartados temáticos, se exploran aquí todos los asuntos que vertebraron su carrera como su recurrente interés por las azoteas o las chimeneas o la melancolía psicológica que emana de sus retratos. 300 fotografías conforman un recorrido por las imágenes de un artista que vivió intensamente en Budapest, París y Nueva York y que se detiene ante todas las facetas de su producción, desde sus primeras fotografías tomadas mientras realizaba el servicio militar hasta las realizadas para diferentes medios de comunicación o sus polaroids más íntimas del periodo final de su vida, ya en Nueva York.

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El MoMA de Nueva York dedica una muestra interesante sobre la faceta escultórica del gran Cy Twombly, fallecido hace tan solo unas semanas. Twombly, uno de los creadores imprescindibles para entender el arte del siglo XX, trabajó incansablemente en el ámbito de la pintura, disciplina por la que es más conocido, pero también fue un prolífico escultor. La exposición está compuesta por siete grandes esculturas que ha seleccionado la comisaria Anne Temkin de los fondos de la colección del MoMA, colección a la que acaban de sumarse. La suya es una aproximación a la escultura que tiene mucho que ver con la que hoy se puede ver en los circuitos internacionales. Predomina la recolección de objetos encontrados, materiales a menudo pobres que ensambla y cubre de pintura blanca. Además, podrán verse cuadros del artista que confirman las intensas relaciones entre su pintura y su escultura.

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El Whitney dedica este verano una exposición al pintor Lyonel Feininger, nacido en Nueva York en 1871 pero emigrado a Alemania a los 16 años. Con la irrupción del nazismo en Alemania, Feininger huyó de Europa y regresó a Estados Unidos donde su inmenso bagaje cultural como miembro esencial del Expresionismo alemán y de la Bauhaus le convirtió en una figura cultural indispensable. Su interpretación siempre singular de la arquitectura y el paisaje, con esa visión tan romántica, le sitúan en un lugar único en el arte del siglo XX. La sucesión de estilos de vanguardia a la que se adhirió en su etapa europea y su vinculación final con el Black Mountain College estadounidense dan buena fe de una versatilidad y un recorrido amplio y rico.

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El ICA de Boston presenta una exposición dedicada a la extraordinaria Eva Hesse. Pero no es una muestra retrospectiva al uso sino que se detiene ante una faceta no muy estudiada en la historiografía de la artista. La comisaria Briony Fer destaca aquí un conjunto de piezas que se encuentran a medio camino de realización. Dice la comisaria que no son bocetos preparatorios pero que, al mismo tiempo, tampoco son obras terminadas. Se sitúan en un limbo incierto, en un estado transitorio que avanza nociones muy claras en su trabajo pero que no termina de augurar una dirección determinada. Es una cuestión de temporalidad. Esta sensación de transitoriedad se acentúa con el uso de ciertos materiales que pueden variar con el tiempo como las fibras de vidrio con las que están realizadas algunas de las mejores obras de esta estupenda exposición.

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En Miami puede verse una exposición dedicada a la artista brasileña Rivane Neuenschwanderm una de las creadoras más aplaudidas de su generación a nivel mundial. La obra de Rivane tiene que ver con la poética del tiempo, presta atención a los principios básicos del conceptual pero es a la vez altamente sensorial y siempre proclive a la interacción. Titulada A day like any other, es lo que en el mundo anglosajón se denomina un mid-career survey, una exposición de mitad de carrera, esto es, un momento en la trayectoria del artista, que suele darse ya entrados los cuarenta, en el que ya se han producido trabajos importantes pero que aún esperan la realización de otros tan buenos o mejores. La exposición de Rivane Neuenschwander tiene algo de crowd-pleaser pero también un contenido muy poético y sugerente.

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Una de las exposiciones del verano estadounidense es, sin duda, la que el Walker Art Center de Minneapolis dedica a Mark Manders, uno de los grandes artistas del momento. Nacido en Holanda en 1968 y residente en Bélgica, Manders es fundamentalmente escultor pero su trabajo no se ciñe exclusivamente a ese ámbito. Los comisarios de esta exposición, Heidi Zuckerman y Douglas Fogle, comparan la escultura de Manders con la poesía en tanto que entienden el diálogo entre los diferentes objetos en el mismo plano que la sucesión de palabras en un verso, con sus ritmos similares y sus cadencias paralelas. Así, sus exposiciones se convierten en un espacio psicológico en el que se dan cita el sentido objetual y el lingüístico. En la muestra se explora, como no podía ser de otra forma, la idea del autorretrato como edificio, como casa, asunto en el que Manders lleva trabajando cerca de 25 años.

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Uno de los centros más prestigiosos de los Estados Unidos, el SF MoMA, programa hasta el próximo 6 de septiembre una exposición dedicada al artista David Claerbout, uno de los creadores que con mejor criterio viene desgranando las relaciones entre la fotografía y la imagen en movimiento siempre en el campo de la narrativa. Claerbout, que recientemente tuvo una excelente exposición en el Wiels Contemporary Art Center de su Bélgica natal, explora el modo de contar historias, el story-telling, a través de trabajos de un epatante contenido poético. En la exposición podrán verse obras ya míticas como Sections of a Happy Moment, la pieza en la que Claerbout disecciona la imagen fotográfica de unos niños argelinos jugando en un patio, o The American Room, nunca antes mostrada en Estados Unidos, otra bellísima exploración del tiempo.

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El Museo Rufino Tamayo, situado en el Bosque de Chapultepec de la capital mexicana, presenta la exposición Incidentes de viaje espejo en Yucatán y otros lugares, un proyecto de Pablo León de la Barra en el que se nos propone una narrativa que gira en torno a ciertos movimientos expedicionarios del siglo XIX y otros más recientes como el de Robert Smithson en los años sesenta. La idea es ver cómo a través de un grupo de artistas contemporáneos e históricos puede construirse una arqueología del presente. De nuevo asistimos a la idea de temporalidad, la recurrente sensación de que un momento puede contener muchos momentos. León de la Barra se detiene ante conceptos como el turismo o la antropología para enfrentarse a un presente poliédrico y complejo. Entre los artistas seleccionados destaca la presencia de la española Lara Almarcegui.

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Sistemas, Acciones, Procesos 1965-1975 es un proyecto importante producido por la bonaerense Fundación PROA que quiere desgranar un periodo histórico esencial no sólo para el devenir de las artes sino para el desarrollo definitivo del arte en Latinoamérica. La muestra, curada por Rodrigo Alonso, es un recorrido por las prácticas que en ese decenio tuvieron lugar no sólo en Latinoamérica sino también en Estados Unidos y Europa. El interés fundamental es ver cómo se comportan los artistas latinoamericanos frente a las obras de los férreos conceptualistas estadunidenses, en especial los del grupo de Nueva York, liderados por Joseph Kosuth. La exposición no sólo se centra en el arte conceptual sino también en el Povera, el Minimal, el arte de procesos, la performance... Es una mirada profunda que puede y debe revelar lecturas interesantes sobre los distintos modos de proceder desde el Norte y desde el Sur.

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El Ullens Center for Contemporary Art de Beijing, que dirije el comisario francés Jerome Sans, presenta una muestra del artista chino Song Dong, uno de los más representativos de su país. Una gran instalación de Song Dong puede verse estos días en la Bienal de Venecia, en la entrada del Arsenale. Esta Wisdom of the Poor, que así se titula, quiere ser una continuación de la pieza veneciana, una instalación en la que el artista ha invertido seis años de trabajo. La pieza tiene que ver con la memoria del lugar de la infancia y el modo en que este evoluciona, los nuevos modos de comportamiento que propician las nuevas tipologías de crecimiento urbano y cómo éstas determinan las relaciones humanas. Es, sin duda, una instalación rotunda y merecedora de una visita detenida.