Peter Galassi: “Las élites del arte son más poderosas y más ricas que nunca”

Durante dos décadas (1991-2011) fue el conservador jefe de fotografía del MoMA, es decir, durante veinte años fue el dios que marcó los gustos del mercado fotográfico y abrió paso a la disciplina (Henri Cartier-Bresson, Aleksandr Rodchenko, Andreas Gursky, Lee Friedlander, Jeff Wall) entre los cuatro héroes del museo: Cézanne, Gaugin, Seurat y Van Gogh. Peter Galassi ha sido comisario de más de 40 exposiciones, entre ellas Before Photography: Painting and the Invention of Photography (1981). Eran los días en los que el museo neoyorquino ejecutaba su poder divino, antes de que las bienales y ferias de arte se quedaran con esa potestad todopoderosa. Galassi es el comisario de la exposición dedicada al fotógrafo húngaro Gyula Halász (más conocido como Brassaï), en la Fundación Mapfre de Barcelona.

¿Cuál es la contribución de Brassaï a la historia de la fotografía?

Brassaï fue un muy original y perspicaz escritor de fotografía. Antes que cualquier otra persona lo hiciera, articuló el principio central del arte de la fotografía: la fotografía transforma lo que describe, siembre, inevitablemente. Por eso no es necesario que el fotógrafo se esfuerce por lograr un efecto estético. Así lo escribió una vez: “Cuanto más escrupulosamente respeta el fotógrafo la independencia y la autonomía de su sujeto, y cuanto más se acerca a él en lugar de acercársele, más completamente incorpora su personalidad a sus imágenes”.

Una de las escenas parisinas de Brassaï, incluidas en la exposición.

Por eso la mayor contribución de Brassaï fue su estilo franco y directo: su demostración confiada de la magia de la descripción fotográfica. Pero si lo que preguntas es cuál de sus imágenes debe guardarse a toda costa de un edificio en llamas para que las generaciones futuras puedan admirarlas y disfrutarlas como nosotros, obviamente la mayor contribución de Brassaï es su encantadora representación de la seductora mitología de la vida nocturna parisina, cincelada de una manera tan precisa e indeleblemente que no somos capaces de discernir entre lo que es ficción de la realidad, y tampoco tenemos deseos de intentarlo.

¿Cómo alteró la Historia de la Pintura la aparición de la fotografía?

Brassaï compartió la opinión, ampliamente aceptada en la primera mitad del siglo XX, de que el advenimiento de la fotografía liberó a la pintura para abandonar su vertiente más descriptiva. Pero no estoy de acuerdo con esto. Mi punto de vista es que la pintura europea (y eventualmente también la estadounidense) engendró una gran tradición extraordinariamente rica e inventiva, que se mantuvo en la renovación hasta que el gigante de la cultura comercial se colocó en el centro de la escena, en la década de 1960.

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Hace medio siglo pensábamos que el postimpresionismo, el cubismo y el arte abstracto representaban una ruptura radical con el pasado. Ahora podemos ver que, de hecho, este capítulo glorioso fue la última gran exposición de una tradición que había comenzado 500 años atrás. Willem de Kooning está infinitamente más cerca del Giotto que de Andy Warhol.

¿La percepción individual del mundo de la fotografía mató la retórica de la pintura del Renacimiento?

No fue la invención de la perspectiva per se lo que lanzó la tradición renacentista (y, de hecho, muy pocas pinturas se ajustan estrictamente a las leyes de la perspectiva). Era el sentido de la imagen como una ventana a través de la cual una persona miraba el mundo. Al principio, el espectador pudo haberse fijado en un único lugar, en el centro de la ventana. Pero entonces él, o ella, comenzó a moverse y también a mover el marco de la ventana.

Peter Galassi durante la rueda de prensa.

Por lo tanto, lo que usted llama "la retórica de la pintura renacentista" evolucionó a "la percepción individual del mundo". Esa es la historia de la pintura europea entre 1400 y 1900. Y es el antecedente indispensable del arte moderno de la fotografía, que consiste en explorar el mundo con un marco móvil.

¿Se ha convertido la fotografía en el mejor medio para conocer y representar la realidad?

Si por conocer la realidad te refieres a registrar la fachada de un edificio para poder contar sus miles de ladrillos más tarde en casa, mientras disfrutas de un buen vaso de vino -o usando rayos X- entonces, sí. La tecnología es la más efectiva. Pero si te refieres a transmitir la realidad del vino que estás bebiendo o de tu mejor amigo, entonces quizás no.

¿Por qué cree que el boceto fue lo más cercano a la forma fotográfica en el siglo XIX?

A fines del siglo XVIII y principios del XIX, cuando los pintores llevaron sus desordenados materiales al paisaje para hacer bocetos, lo hicieron porque creían que era la única forma de capturar las percepciones que les importaban. Así que se enfrentaron al desafío maravilloso y difícil de traducir el mundo ilimitado y tridimensional de la experiencia en una imagen convincente en un rectángulo plano. En pocas palabras, ese es también el desafío que plantea la fotografía.

En la fotografía quién forma las imágenes: ¿el ojo o la mente? ¿Y en la pintura? 

En fotografía, la imagen se forma por la luz que pasa a través de una abertura. Está ahí todo a la vez. Puedes mover el obturador y apuntar en diferentes direcciones y cambiar la ubicación de los límites. Y a pesar de todo, la imagen siempre será una imagen completa. En la pintura, comienzas con una superficie vacía (incluso si la pared de la cueva u otras superficies pueden ofrecer pistas u obstáculos). Es un proceso aditivo que lleva un tiempo, y sólo acaba cuando el pintor lo decide. Puedes encontrar una pintura y una fotografía que se parezcan mucho, pero las formas en que fueron hechas son muy diferentes.

Otro de los nocturnos parisinos de Brassaï.

Sufrimos una inflación de imágenes: ¿ha sustituido la fotografía a la realidad? 

A la gente le gusta decirlo, pero no estoy de acuerdo. Cuando me levanto de la cama por la mañana, no estoy confundido acerca de si estoy poniendo mi pie en el suelo o en la imagen de un piso. Pero es cierto que las imágenes cambian nuestra experiencia de la realidad, y así ha sido cierto durante mucho tiempo. Cuando los artistas viajaron a Roma en los siglos XVII y XVIII, los monumentos antiguos de la ciudad ya les resultaban familiares a través de innumerables imágenes. En un aspecto importante, era menos una cuestión de hacer nuevos descubrimientos que reunirse con viejos amigos.

¿La masificación de las imágenes ha alterado las reglas del arte más popular de todos?

No hay reglas. Y no estoy seguro de que sea productivo suponer que cualquier forma de hacer imágenes es una "forma de arte". La fotografía se puede practicar como un arte -una muy sofisticada y hermosa-, pero la mayoría de las fotografías no tienen nada que ver con el arte. Es lo mismo que el lenguaje. En raras ocasiones obtienes un Don Quijote de la Mancha o las absorbentes novelas de Antonio Muñoz Molina, pero la mayoría de las veces recibes un aviso de la compañía eléctrica, o una lista de compras, o una entrevista con un comisario en el periódico.

Más París de noche, captado por Brassaï.

¿La accesibilidad de la fotografía ha rebelado a las masas contra las élites del arte, pero ¿es su popularidad su maldición?

No. Las élites del arte son más poderosas y más ricas que nunca.

¿Hay arte en Instagram?

No me cabe duda. Pero tendrías que preguntarle eso a mi hija. Cuando se trata de tecnología digital, soy un dinosaurio.