Ana Soler, la curación por medio del arte

Convertir una historia de violencia machista y maltrato psicológico en una obra de arte inspiradora. Esa es la catarsis que propone Ana Soler (Sevilla, 1972) en su obra El futuro del pasado. Historia de una historia de maltrato silente. La mujer instinta, que ha sido glardonada con el VI Premio La Palabra Pintada al Mejor Libro de Artista de la Fundación Ankaria. Doctora por la Universidad de Sevilla, docente e investigadora en la Universidad de Vigo y ganadora del Premio Nacional de Grabado en 2001, la artista se inspiró en libro Mujeres que corren con los lobos, de la doctora Clarissa Pinkola Estés, para confeccionar este libro de 240 páginas donde se encuentran una serie de símbolos, metáforas e imágenes de los diferentes estadios por los que atraviesa una mujer durante el proceso del maltrato y muerte psicológica, y al mismo tiempo claves para su posible curación.

Pregunta. ¿Qué ha querido transmitir a través de este libro de artista?

Respuesta. Es un viaje por el interior del significado de la mujer “instinta” para encontrarse a sí misma, un recorrido que nos lleva a lo más profundo de su ser. Relata, desde la identidad perdida, una historia de maltrato silencioso. Paso a paso, página a página, se comparte con el lector-espectador cómo el proceso de depredación de un agresor externo comienza en el propio interior de cada mujer cuando ésta niega su instinto más básico de supervivencia. Describe gráficamente sensaciones y situaciones, aportando algunos códigos para descifrar posibles fisuras, fracturas, heridas y sus causas. Recoge el proceso de maltrato a nivel psicológico, examina las distintas fases y conceptos de ese proceso, y ofrece algunas posibilidades de salida desde el conocimiento intuitivo y racional de una misma. El arte plástico y visual, la combinación de textos, imágenes, dibujos, fotografías y texturas, es el vehículo para expresar todas las ideas que encadenan este viaje.

»La intención es transmitir, como artista plástica, a otras “almas valientes”, algunas claves del proceso, compartir el camino del desierto y el viaje, y hacer ver a otras personas que no se encuentran solas ni en el tiempo ni en el espacio. Algo superior nos une, nos mantiene vivas y conectadas. Los artistas tenemos la misión de hacer visible lo invisible, hacer sensible lo insensible.

P. ¿Qué materiales y técnicas ha empleado para crear esta obra y por qué razón ha decidido utilizarlos?

R. El libro está realizado con materiales muy diversos. Creo que el objeto de arte “libro de artista” es en sí mismo un objeto complejo, tanto en concepto como en materialización. Las técnicas empleadas son diferentes papeles (papel japonés de distintos gramajes y texturas y vegetales de colores), intervenciones manuales (pelo, pan de oro y tinta china), vinilos de corte de terciopelo sobre tul, páginas de antiguos libros japoneses, páginas de libros tachadas, gofrados, fotograbado y litografía. La cubierta está hecha de pastas duras recubiertas de piel rosa con vinilo de corte y la encuadernación es rústica fresada.

»Las transparencias de los papeles japoneses de bajo gramaje hablan de repetición y transformación, los papeles vegetales de distintos colores tiñen los contenidos de las páginas con las que conviven en el pliego adyacente, hay elementos pegados que invitan a tocar, páginas que se amplían y se abren expandiendo los propios límites del formato del libro, pop-ups tridimensionales que aparecen al pasar las páginas, espejos que reflejan la imagen del espectador, vinilos que aparecen y desaparecen, perforaciones que comunican anversos y reversos de páginas y establecen canales entre sus contenidos concatenando visualmente y teóricamente apartados, e insertos de otros libros que funcionan como pequeñas llamadas de atención para complementar el discurso. En fin, multitud de detalles y una sola obra. Se ha pretendido que la percepción del libro se convierta en una experiencia multisensorial para potenciar la complejidad del tema que trata. El tiempo de disfrute también es importante. Hace falta dedicarle mucho tiempo al libro para poder saborearlo, olerlo, sentirlo. 

P. ¿De qué habla el libro Mujeres que corren con los lobos de Clarissa Pinkola en el que se inspiró?

R. El libro es una visión de lo que la doctora Clarissa Pinkola denomina la “mujer salvaje”. A través del aprendizaje que se desgrana de algunas historias y cuentos de diferentes culturas del mundo, reflexiona sobre el valor antropológico de la búsqueda del instinto de la mujer. Utiliza metáforas muy potentes para acompañar a la mujer en el camino de esa búsqueda.

P. Se ha formado en distintos países, ¿qué país le resultó más inspirador y ha tenido más influencia en usted como artista?

R. Todo suma. Creo que el hecho de estar en continuo movimiento ayuda a aprender siempre, ya que caminar con una mente abierta por la vida favorece el crecimiento. Cada lugar, persona, situación, experiencia, aportan algo. Como artista e investigadora, la mirada sensible está siempre activada. Japón me marcó bastante, pero existen otros muchos lugares físicos o mentales que inspiran e influencian mi obra.

P. ¿Cómo surge la creación de sus obras tridimensionales? ¿Qué busca transmitir a través de ellas? 

R. Tiene que ver con el concepto de complejidad. Me interesa aportar una mirada sensible que reflexione sobre esta idea. Busco hacer visible lo invisible. Invadir el espacio sin ocuparlo. Dibujar en el aire. Que la gente se meta dentro de la obra, o la obra dentro de la gente, que la perciba desde diferentes perspectivas para entender este visión de la complejidad del ser humano y el mundo que le rodea. Reflexionar sobre cómo los contrarios se comunican y dialogan a partir del contacto de la diferencia: lo grande y lo pequeño, la vida y la muerte, lo visible y lo invisible, el tiempo detenido y extendido, el caos y el orden, lo natural y lo artificial, el interior y el exterior, cómo todo y todos estamos conectados de alguna manera y formamos parte del gran universo.

»Nada es como parece. En este mundo contemporáneo que vivimos considero que tendríamos que dirigir la mirada más allá de lo evidente. Desde mi punto de vista, la mirada creativa es aquella que inventa, investiga, descubre, muestra otro tipo de realidades. La materia oscura es infinitamente superior en proporción al mundo material que vemos y percibimos. Esta ahí a nivel cósmico y a nivel cuántico, y casi no sabemos nada de ella, sin embargo intuimos que a través de ella podemos explicar nuestro mundo visible. Mis instalaciones pretenden desmenuzar la realidad, detener de algún modo el tiempo para reparar en los detalles. 

P. ¿Cuáles son sus referentes dentro del arte contemporáneo?

R. Me interesan más determinadas obras concretas que personas o artistas en general. Pero hay grandes artistas como Mona Hatoum, Olafur Eliasson, Rebeca Horn, Cornelia Parker, Tony Cragg, Jessica Stockholder, Joana Vasconcelos, Rachel Ehiteread, Robert Gober o Anísh Kapoor que tienen una trayectoria consolidada que sigo con atención.