Las encrucijadas de la pareja, los silencios como denuncia, la sublimación y la alquimia de los clásicos, el grito de las periferias, los abismos cotidianos, el absurdo como herramienta, la persecución de la heterodoxia... Son algunas de las cuestiones que plantean los candidatos al XII Premio Valle-Inclán de Teatro, que se falla este lunes, 7. Nos adentramos en la excelencia de los doce finalistas y analizamos sus aportaciones. Estos actores, directores y autores optan, con sus trabajos exhibidos en la escena madrileña, al premio concedido por El Cultural de El Mundo y patrocinado por la Fundación Divinas Palabras, que preside Enrique Cornejo. Un jurado con el abogado y dramaturgo Antonio Garrigues Walker al frente elegirá en el Teatro Real, mediante el método Goncourt, al ganador de los 50.000 euros y la estatua de Víctor Ochoa con que está dotado el galardón. El teatro español, pendiente pues, de su reconocimiento más prestigioso.
Denise Despeyroux. Directora y autora. Un tercer lugar
Y el año pasado presentó en el Teatro Español Un tercer lugar, una nueva entrega de su fértil dramaturgia, donde convergen la reflexión metafísica, el surrealismo cotidiano y la comicidad melancólica. Despeyroux plantea un experimento extraño y arriesgado: que el humor irónico parta de un poso filosófico. En Un tercer lugar dosifica en breves capítulos esta fórmula, que en sus manos cuaja y se desarrolla con fluidez, sin caer en la pedantería y sin abaratar los dilemas existenciales de fondo. Despeyroux bordó el retrato de las incertidumbres y zozobras de la pareja contemporánea, vista por ella desde varios prismas. Hagamos memoria: Julio Cortázar, Peter Handke, Woody Allen y, sí, David Hume. Así de especial es Despeyroux, que nos enseñó el lugar donde los amantes, despojados ya de sus prejuicios, encuentran la plenitud de los sentimientos.¿Por qué?
Pablo Messiez. Director. He nacido para verte sonreír
¿Por qué? Por considerar el teatro un testimonio de vitalidad y por transmitirlo con poesía
La piedra oscura de Alberto Conejero y por títulos como La distancia -la impactante historia de la escritora Samanta Schweblin en la que se indagaba también sobre el silencio premeditado-, no busca solo trasladar un texto al escenario. Su objetivo es transmitir una mirada rigurosa y poética, capaz de convertirse en testimonio de la verdad, por escondida que esté, a través de sus distintas caras y matices. "Ver a los actores pensando en escena resulta fascinante", explica a El Cultural. "Ser testigo de ese silencio y de esa quietud llena de palabras no dichas y de movimiento es algo muy atractivo. Darle tiempo a ese pensamiento supone una invitación a pensar juntos. Es una situación de gran teatralidad".José Luis Gómez. Actor y director. Celestina
En esta producción, además, dobló la apuesta. No sólo empuñó la batuta directorial sino que también decidió mutar de sexo para dar vida a la famosa alcahueta. Gómez se valió de su prosodia andalusí para evocar la oralidad antigua de Fernando de Rojas. Recurrió a Le carceri d'invenzioni, la serie de tenebrosos grabados de Piranesi, para armar una puesta en escena que reflejaba el miedo reinante en una sociedad amordazada por la Inquisición. Asistimos a nuestro Gran Hermano nacional, que aconteció varios siglos antes que el de Orwell. Y le inyectó a la protagonista una incandescencia luciferina que se hizo especialmente patente en la escalofriante escena del conjuro.¿Por qué?
María Hervás. Actriz. Iphigenia en Vallecas
¿Por qué? Por la fuerza e intensidad con la que dota a sus criaturas escénicas sin restarles emoción
No hay moraleja pero contemplamos el precio que hay que pagar para que una parte de la sociedad disfrute del llamado Estado del bienestar. Aunque Owen convierte lo anécdotico en universal, Hervás reelabora las geografías y traslada la acción de Splott (un barrio humilde de Cardiff) a Vallecas. Después de su excelente Confesiones a Alá -nominada al Premio Valle-Inclán en su octava edición-, es el trabajo que más composición del personaje ha necesitado por su arco narrativo y emocional. "He sido feliz al dar voz a este personaje. Irá conmigo siempre", señala Hervás a El Cultural. Al contemplar esta Iphigenia la respuesta queda, como en el verso dylaniano, flotando en el viento.Àlex Rigola. Director. Vania
Muy escaso, por cierto: únicamente el que cabía en una caja de madera, que es donde le gusta meterlo a Rigola desde Who is me, su guiño a Pasolini. Es una fórmula para reforzar la sensación de intimidad de esos pocos privilegiados con con los personajes, que expresan su hastío existencial, su sensación de insectos atrapados en una tela de araña, mirándonos a los ojos, con una lucidez que desarma. Y con una sencillez que acrecienta la intensidad de su drama. El director barcelonés prescindió de salsas y adobos: no hay juegos luminotécnicos ni maquillaje. Una crudeza que traslucía sus almas.¿Por qué?
Luis Bermejo. Actor. Vania
¿Por qué? Por encarnar la evolución de emociones radicales sin estridencias
Y Bermejo, que ya trabajó a sus órdenes en Maridos y mujeres, la adaptación escénica de la película de Woody Allen, le brindó (al director y, de paso, a todo el público) una interpretación que oscila desde la bonhomía desencantada al estallido de cólera final. Es un marcado contraste que refleja su capacidad para encarnar la evolución de emociones (y desilusiones) radicales sin incurrir en la estridencia ni en la afectación. También aprovechó Rigola su querencia por el imaginario clown: recordamos con una sonrisa la escena en que se traga las flores. Lo dicho: para enmarcar.Irene Escolar. Actriz. Vania
Los nombres de pila de los actores fueron utilizados para nombrar a sus personajes. Era una estrategia de Rigola para derribar los diques entre realidad y escenificación y dotar a la experiencia teatral de una dosis de verdad todavía más potente. Escolar encarnaba a Sonia, una muchacha de extrema pureza. Su pasión juvenil no encuentra acomodo en el remanso de tedio que la rodea. Pero lucha con nobleza para escapar de ese fango existencial. Escolar ofrece todos los registros con sutileza y una iluminada aura de inocencia.¿Por qué?
Israel Elejalde. Actor. Ensayo
¿Por qué? Por alcanzar momentos dramáticos de una intensidad poco común en el teatro actual
En el intento, reflexionan sobre la creación y el desencanto, construyendo una dialéctica que apunta a diversos temas existenciales. El primer personaje activará una máquina implacable capaz de transportarnos a los abismos cotidianos. El grupo explota, inexorablemente, ante nosotros confluyendo todas las energías en el personaje interpretado por Elejalde: un director de escena. En esta ecuación sin incógnitas que es Ensayo el actor -tercera nominación al Valle-Inclán tras la mencionada Clausura y su poderoso Hamlet- sublima el metateatro y saca del texto de Rambert el grito que anida en todos nosotros y que, a menudo, está adormecido en nuestro interior.Luis Luque. Director. La cantante calva
nos muestra con esta puesta en escena que el ser humano está solo ante el mundo. El director amplía el concepto del ‘absurdo' para llevarnos a los territorios inexplorados de las vanguardias. Luque despertó de nuevo a La cantante de la mano de Pentación y del Teatro Español -donde se estrenó- para poner en evidencia el galimatías social en el que nos encontramos, una encrucijada que nos sumerge más aún en la perplejidad y en la desorientación. Directa o indirectamente, Luque siempre habla de los conflictos del ser humano actual.¿Por qué?
Natalia Millán. Actriz. Billy Elliot
¿Por qué? Por su talento para afrontar cualquier rol en la escena. De bailarina a primera actriz
La obra, con música de Elton John, libreto de Lee Hall y dirección de Stephen Daldry (ambos creadores también de la versión cinematográfica de 1999), tiene como eje central a Tony (Adrián Lastra) y a la Señorita Wilkinson, que Natalia Millán interpreta con la sensibilidad y la contundencia características de todos sus trabajos. David Serrano, que firma la versión española, ha señalado a El Cultural que para que un musical alcance calidad teatral "es necesario que los actores no hagan la típica interpretación con apariencia de doblaje". Natalia Millán lo consigue con nota.Alfredo Sanzol. Director y autor. La ternura
Allí acumuló un llenazo tras otro. La gente salía de la sala con la sonrisa pintada en el rostro, paladeando todavía el buen rato brindado por el director y dramaturgo navarro. El ‘metraje' de dos horas se pasaba en un suspiro. Hay que reseñar que el desopilante ejercicio de Sanzol escondía en su base un dominio exhaustivo de los textos originales del bardo inglés. Sólo era posible dar en el clavo con este experimento partiendo del conocimiento profundo de Noche de reyes, Como gustéis, La tempestad, Sueño de una noche de verano... La hilaridad transmitía también algunas moralejas. Primero la necesidad de arriesgarse para amar de veras. Y segundo, Sanzol enarbolaba un alegato en favor del entedimiento entre los dos sexos: la necesidad de aliarse cae por su propio peso. Oportuno toque de atención.¿Por qué?
Andrés Lima. Director. Las brujas de Salem
¿Por qué? Por dar una gran potencia dramática al clima inquisitorial de la caza de brujas
Todas esas derivas inquisotoriales recogidas en el texto adquieren una tremenda pegada dramática en las manos de Lima, que en su puesta en escena levanta, a medida que se acerca el jucio final, un granero de madera, símbolo de la construcción de la nación norteamericana. Certera metáfora. Lluís Homar encarnaba el mal patológico metido en la piel del prefecto Danforth. Lo hacía proyectando toda la bilis de la abyección maquinada. Además, el actor catalán ofrecía un trasunto del propio Miller en algunos capítulos de su conflictiva relación con el Comité de Actividades Antiestadounidenses. Un toque didáctico, sutilmente dosificado, que seguro que ayudó al público más jóven a comprender lo que estaba en juego.