Albert Corbí. Foto: Sergio Enríquez

Licenciado en Historia, después de probar suerte en Sociología y Filología Alemana, Albert Corbí (Alcoy, 1976) estudió Fotografía en la Escuela de Arte de Valencia. Ha trabajado en publicidad y en cine (realizó la foto fija de la película de Bigas Luna Yo soy la Juani) y se confiesa admirador de Gordon Matta-Clark.

- Acaba de recibir el Premio de Fotografía de El Cultural¿Qué le ha traído hasta aquí?
-Creo que lo más importante del currículum es la experiencia vital. En la medida en que la Historia es una documentación de huellas de los hombres y una lectura de esas huellas, no creo que se diferencie de lo que es el arte. Yo concibo el arte como una lectura de la realidad, no como la creación de otra realidad. Empecé haciendo fotografía documental, aprendí el código, la técnica y los elementos, y desarrollé varios trabajos que fueron premiados a nivel documental. Pero llegó un momento en que necesité hacer otro tipo de obra y a partir ahí empecé a realizar trabajos en esta línea.

-Su proyecto anterior, el realizado para la Beca de la Fundación Arte y Derecho, es un trabajo que parece muy vinculado a este. ¿No es así?
-Aquel proyecto consistía en sujetar arquitecturas mediante cinta adhesiva. Me interesaba la idea irónica y trágica de intentar sujetar algo que parece muy sólido con algo sumamente frágil. Y cuando realizaba ese trabajo se me ocurrió la idea de vincularlo a la idea de la sociedad líquida. Si la sociedad es líquida nosotros estamos dentro del líquido y empecé a buscar relaciones que yo podía tener con él. La fundamental era impedir que me diluyera. Por eso empiezo a desarrollar esta idea de sellar ventanas. Claro, que la ventana tiene muchas reminiscencias y es muy rica en la tradición artística. Es la relación con el exterior, es el marco de representación... Me interesa la belleza o el lirismo que pueda tener una pieza, pero también el hecho de que esa pieza está vinculada a la vida: yo sello y soy yo quien desarrollo un esfuerzo durante unas horas, empleo un tiempo, conlleva un coste económico. Se reduce esta distancia entre la acción, el artificio y lo que uno siente.

-En sus anteriores series había más relación con la fotografía urbana o de objetos, pero ¿su trabajo actual va más hacia la fotografía que surge de una instalación?

La fotografía de la inundación
-Sin duda, aunque también me interesa mucho la fotografía directa y de hecho estoy trabajando en un proyecto sobre la idea de inundación que es una especie de documentación de lugares donde ha estado el agua, desde un desierto hasta los restos de humedad en una piscina seca. Me interesa reflexionar sobre qué ocurre cuando el líquido desaparece. Y trabajo en una serie de fotos de Nueva York en las que mediante una técnica concreta voy diluyendo la imagen hasta convertirla en nada.

-¿Qué posibilidades tiene hoy en día el artista?
-A mí me ha resultado muy natural. Es más, cuanto más cerca me he colocado de lo que soy más reconocimientos he obtenido. Creo que en esta sociedad es fundamental mirar a Velázquez y preguntarte qué es real y qué es irreal. Creo en el oficio y en tener algo que decir, en construir un discurso coherente, que hable de ti, que no sea ajeno y que te haga feliz. Aún así es complicado. Mi generación responde a muchos códigos y los usamos, pero a veces esos códigos también nos usan, vivimos una especie de romanticismo oportunista donde no sabes qué es real y qué no, y esa inseguridad intentamos sostener nuestras habitaciones. Sostenemos, sellamos para sentirnos diferentes y, a medida que maduramos, perdemos el miedo.