Ignasi Aballí: Reflexions (15), 2004

No es la primera vez que se presenta una exposición sobre la "pintura sin pintura", esto es, obras que no utilizan los procedimientos tradicionales pero que tienen en cambio como referente a la pintura o que pretenden ser una reflexión sobre la misma. Algunas muestras recientes, como la de Bill Viola, que utiliza el vídeo, o la de James Turrell, que trabaja con la luz y el espacio, son otros ejemplos de este pintar por medios extrapictóricos. ésta es la idea esencial de la exposición: la pintura no es una técnica; es, digámoslo así, un espíritu o una manera de entender el arte. Se puede hacer pintura sin pinceles, tela y pigmentos.

Existen otros muchos aspectos implícitos en ese "pintar sin pintura": la muerte de la pintura, la oposición entre modernidad y pintura, los límites de la representación, la tecnología confrontada a las técnicas tradicionales, el mestizaje, la historia de la pintura como modelo, etc. No es extraño que esta problemática se plantee de manera recurrente: es una reflexión que ocupa un lugar central en el debate del arte contemporáneo.

La presente exposición recoge experiencias muy diversas en torno a este "pensar la pintura desde fuera" que, a modo de panorámica, introducen perspectivas e incluso posiciones contradictorias entre sí. Más aún, diría incluso que la muestra exhibe actitudes y comportamientos abiertamente antipintura al lado de otros que expresan una nostalgia y fascinación por ella. Personalmente, de la selección propuesta, me han interesado dos artistas, Ricardo Cotanda e Ignasi Aballí porque su reflexión va más allá de la pintura para aproximarse a la misma esencia del arte.

Existe un mito muy hermoso, "El sudario de Verónica", que nos acerca al misterio de la pintura. Dice la leyenda que el rostro de Cristo quedó milagrosamente estampado en el velo que María Magdalena -Santa Verónica- le ofreció para secar su sudor camino del Calvario. Aquí se manifiesta la idea de la pintura como algo tremendamente frágil: imagen precaria, siempre a punto de desvanecerse, de algo que está más allá, de lo sagrado. Es el deseo de atrapar lo evanescente, aquello que cuando se intenta retener se escapa y desaparece. "El velo de Verónica" expresa la voluntad del arte de representar lo irrepresentable. éste es, creo, el mensaje de Cotanda y Aballí, aunque sé muy bien que esta lectura no agota su obra.

En la serie titulada Jet… Cotanda presenta piezas realizadas en terciopelo en las que frontalmente se observan imágenes de objetos duchampianos (o más bien, de su sombra), pero que vistas oblicuamente, por efecto de la tela, desaparecen en un reflejo dorado. En otra serie, Les maríes, el material utilizado, el tul, provoca estos efectos vibrantes de volátil fragilidad. Por otra parte, entre las obras de Aballí hay una serie realizada con polvo: son espejos, superficies enmarcadas, cual pinturas, pero realizadas en esta materia tan sutil que es el polvo.

Los escritores escriben porque aman la literatura, los pintores pintan -o pintaban hasta ahora- porque amaban la pintura. ¿Por qué, pues, este rodeo? No lo sabría decir con exactitud, pero intuyo que en Cotanda y en Aballí hay una voluntad de comprender la pintura, de ver cómo está hecha por dentro. Transformarla en objeto, utilizar otros procedimientos, significa darle un cuerpo, entrar en ella… ¿Qué representa, pues, esta imagen de la pintura asociada al polvo? Es un pensamiento mágico que acaso nos pueda hacer comprender emocionalmente -y no sólo a través de la lógica- lo etéreo de la pintura… El polvo es el símbolo de la muerte y éste es, me temo, otro de los mensajes implícitos en Aballí. Pero este mensaje, este deseo que nunca acaba de materializarse, siempre ha estado allí, en la pintura. Por esta razón la imagen de "El velo de Verónica" es tan fuerte y bien magnetiza la mirada o bien provoca la incredulidad.