De Kazimir Malévich a Olafur Eliasson, los artistas que hicieron del color una religión

Su título, Lo tienes que ver, responde a lo que escribió Walter Benjamin en un texto de 1915, “El color debe ser visto”, que se reproduce en la pared de una de las salas. El recorrido nos lleva por una significativa selección de obras “abstractas”, o “no figurativas”, y que se expandieron a lo largo del siglo XX desde el mundo anglosajón, con la voluntad de expresar una nueva época del arte, a diferencia de los planteamientos tradicionales.

En mi opinión, el arte en sus planteamientos tradicionales, clásicos, tiene un hálito intensísimo de abstracción, y siempre señalo como uno de los ejemplos más explícitos de ello el gran cuadro Las meninas de Velázquez que, desde su dimensión figurativa, tiene una fuerza y significado sumamente intensos.

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Dicho esto, lo relevante es cómo el uso del color alcanza una importancia y expansión intensísimas a lo largo del siglo XX. Podemos apreciar esa nueva centralidad a través de los experimentos de Kazimir Malévich, que se consideran el punto de partida de la narración elaborada.

Especialmente significativa es la obra de grandes dimensiones de Ad Reinhardt, Pintura abstracta (1953), óleo intensamente negro que cubre el lienzo que le sirve de soporte. Y se nos sitúa como “desencadenante” lo que Rudolf Arnheim escribió en 1974: “Hablando en términos estrictos, todo aspecto visual debe su existencia a la luminosidad y al color”. El color como centro de la escena en las artes visuales.

William Benson: ' Coloured plate representing sections…”, en Principles of the Science of Colour… ' Londres, 1868. Colección Paul Smith. Foto: Paul Smith

Así, nos vamos encontrando piezas de Olafur Eliasson, Rosa Brun, Yves Klein, Lucio Fontana. Junto a ellos, nuestra mirada se abre al carácter transversal y multidisciplinar que va adquiriendo el arte de nuestro tiempo, pues junto a pinturas, esculturas y obras sobre papel, también se incluyen piezas de cine y de vídeo e intervenciones o instalaciones como la de Felipe Pantone, la cromosaturación de Carlos Cruz-Diez y la lluvia e instalación de pigmento azul de Yves Klein. Hay que destacar una película de Derek Jarman y la fotografía de Wolfgang Tillmans, así como también cerámicas, entre las que destacan las de Richard Deacon, y las obras textiles de Sheila Hicks o Teresa Lanceta.

De gran interés es lo que tiene en su interior el espacio cerrado de un gabinete o cámara de maravillas, en alemán, Wunderkammer. Dedicado a “los primeros teóricos del color de los siglos XVIII y XIX”–con referencias a Goethe, Turner o Carl Runge–, contiene todo un conjunto de materiales que nos transmite la historia y el uso del color, así como documentos, entre ellos los que hablan de las injusticias históricas unidas al color de la piel.

Frank Stella: ' Moultonboro IV,' 1966. Galería Elvira González, Madrid. Foto: © Frank Stella, VEGAP, Madrid, 2025.

De una calidad excepcional es lo que contiene otro pequeño espacio cerrado, la instalación inmersiva Coloramas elaborada por Santaella Lab y los comisarios de la exposición, con un análisis profundo de los fundamentos físicos del color. A través de un vídeo que se proyecta en un conjunto de pantallas envolventes, vamos al fondo de la interrogación acerca de lo que es un color. Y me quedo con esta síntesis, que ahí aparece: “En realidad, el color no existe. Es el resultado de una experiencia perceptiva en la que la luz es captada por las células fotoreceptoras de la retina, llamadas conos y bastones, transformándose en impulsos eléctricos que el cerebro reconoce como colores”.

La mejor respuesta la encontramos en el pensador Ludwig Wittgenstein, también presente en la exposición, que al final de su vida escribió un conjunto de textos sobre el color: “Yo no veo que los colores de los cuerpos reflejen luz en mi ojo”. Y de ahí remite a su idea de los juegos de lenguaje, un concepto que articula en referencia a los distintos tipos de lenguaje que, como si fueran una familia, constituyen un juego.

Ellsworth Kelly : ' Yellow Red Curve I [Curva amarilla roja I],' 1972. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid. Foto: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Según Wittgenstein, cuando hablamos de nuestras experiencias con el color nos situamos en un juego de lenguaje en el que asumimos que los términos que usamos tienen un sentido: “Lo único que queremos es concebir ‘el rojo existe’ como el enunciado: la palabra ‘rojo’ tiene significado”.

Pero, además, los significados de los colores dependen de los contextos del juego de lenguaje, no son unívocos. Ahí se sitúa la dimensión más profunda a la que nos lleva esta magnífica exposición: los colores como lenguajes, como juegos de lenguaje, como soportes expresivos, abiertos en sus características formales.